こんにちは♪
笹塚コンムジカピアノ教室の野田佳奈美です♪
今回は、、
中級者のピアノが上達しない原因３選！！
についてお話ししてみたいと思います♪
難易度の高い譜読みもできて、
練習してるのになんだか上手くならない。。。。
弾いててなんだか心地良くない。。。
もどかしい。。。
練習しているなら上達をしていると思いますが、
少し足踏みしてしまっているかもしれません。
量で上手くいかないなら、方法や方向性を変えると、
その足踏み状態から脱却して、
練習時間がもっと実感を伴って良い演奏へと導く有意義なものへと変わります。
【中級・ピアノが今一歩！上達しない原因３選】
１、「部分練習」を避けて「通し練習」ばかりしている
２、指が動くことに満足し、自分の「音」を聴いていない
３、音楽の「背景」を知ろうとしない
１、「部分練習」を避けて「通し練習」ばかりしている
通し練習は楽しい！！
だけど、通してばかりいては、中級の壁は越えられません。
苦手な１部分、１小節を取り出して、なぜ弾けないのかを分析して解決する質の高い練習が必要です。
手の角度か、脱力か、運指法か、前の部分からの捉え方の相違か etc…
あーでもない、こーでもないと自分の身体と感覚と向き合うことが大事です。
表現に関しても、そうです。
朗読を例えにしてみますと、
言葉の意味、息を入れるところ、言い回し、感情の込めかた、そういった分析、練習なしにただひたすら言葉の羅列を並べても、誰にも何も届かないし、お世辞にも良い朗読だとは言えないですよね。
ピアノ演奏も同じで、ただひたすら音符の羅列を並べたところで、良い音楽にはなりません。
全体を見た上で、この部分はこんな音が欲しい、こんな音色が欲しい、、
と、ここでも、あーでもない、こーでもない、と悩みながら取り組むことが大事です。
こんなことをただの通し練習だけで考えて出来るはずがありません。
細部を徹底的に磨いてこそ、全体の演奏が光だし、上級へと格上げされていきます。
２、指が動くことに満足し、自分の「音」を聴いていない
中級レベルになると、早いパッセージや複雑な動きも楽譜に出てきますよね。(楽しい😆)
ここまで来れる方はある程度、指が動くようになっていると思います。
しかし、ここで
「指が止まらずに動いた＝弾けている！」
と思ってしまうのは危険信号です！
例えば、ショパンの「子犬のワルツ」や「幻想即興曲」などとりあえず止まらずに最後まで弾けた！
で止まってしまっては何とももったいない話しです。
最後まで弾けるだけで、もちろんそれは素晴らしいテクニックですが、
音楽
としてはまだ不十分です。
例えば、ショパンの『幻想即興曲』を弾くとき。
あの激しく速いパッセージを「指がもつれずに最後まで走り抜けられた！」「左右の複雑なリズム（4対3）がズレずに弾けた！」と満足していませんか？
それは素晴らしいテクニックです。紛れもなく。ただそれだけで止まってしまっては惜しい！！
• 右手の中に隠された「本当のメロディライン」は、激しい音の波の中から、くっきりと浮かび上がって聞こえていますか？
• そのメロディは、ただ鳴っているだけですか？それとも、嵐のような情熱や切なさを帯びて歌っていますか？
• 無数に散りばめられた16分音符は、ただの「音の羅列」になっていませんか？
耳が「サボる」と演奏は平坦になる
指の動きに夢中になっていると、音は聞こえてはいるけれど、聴くことができていないことが多いです。
自分の出している音を客観的に聴けていないとき、演奏はただの「指の運動」になってしまいます。
特に『幻想即興曲』のように音の密度が高い曲では、これが顕著に表れます。
• 強弱のニュアンスが消える：
嵐のような激しいフォルテや、中間部の美しく歌うピアノなど、楽譜に書いてある指示を頭で分かっていても、実際の音のコントラストになっていない。
• 音色の変化がない：
右手の速いパッセージを弾き切ることに必死になるあまり、メロディとして際立たせるべき音も、それに寄り添う音も、すべて同じ重さで叩いてしまっている上達のためのポイントになります。
一度スマホで自分の演奏を録音してみて下さい。
「えっ、自分の音ってこんなに一本調子だった？」と驚くはずです。
自分の指の感覚から一度離れ、「一聴衆」として自分の音を客観的に聴く耳を持つこと。
それが、中級から上級へ脱皮するための必須条件です♪
3. 音楽の「背景」を知ろうとしない
楽譜に書かれている音符を正確に弾くこと。
それはもちろん大切ですが、中級から上級へステップアップするためには、もう一歩踏み込む必要があります。
それが「作曲家や時代の背景を知る」ということです。
モーツァルトを例に考えてみたいと思います♪
例えば、モーツァルトのピアノソナタを弾くとき。
オペラの存在を抜きにしてはピアノで語れません！
彼は生涯を通じて数多くの素晴らしいオペラを作曲し、人間の感情やドラマを音楽で表現する天才でした。
実は、この「オペラ」の要素が、彼のピアノソナタにも色濃く反映されています。
この背景を知っていると、楽譜の見方が大きく変わります♫
• 右手のメロディは「歌（アリア）」：
右手の旋律は、ただの音の羅列ではなく、オペラ歌手が舞台で歌っている「声」です。
そう捉えることで、人間の自然な息継ぎのタイミングや、言葉を語るようなフレージングが生まれます。
• 右手と左手で「登場人物が会話」している：
高音域をソプラノ歌手、低音域をバス歌手に見立ててみる。
すると、右手と左手のフレーズが、単なる主旋律と伴奏ではなく、登場人物同士の掛け合いや会話として生き生きと奏で始めます。
• 場面転換のような「急激な曲調の変化」：
数小節の間で長調から短調へ、あるいは静寂から急に賑やかになる展開は、まるでオペラの舞台の場面転換です。
悲しい場面から明るい場面へと瞬時に表情を変える、ドラマチックな表現が求められます。呼吸や間の取り方、テンポ、音色のコントロールを考える必要が出てきます。
「知る」ことで音色は劇的に変わる
ただ指を動かすだけでなく、「作曲家はどんな世界観でこの曲を書いたのか？」という背景を知るだけで、不思議と指先のタッチや音色が変わり、演奏に深い奥行きが出ます。
音楽の背景を探求することは、表現の引き出しを劇的に増やしてくれます。
逆に音符以外の知識がないと、目の前に並んでいる音符たちをどう色をつけていくか、どう音楽的に構築して弾いていいか工夫していけば良いか分からないですよね。
一つの曲に対して、一つのフレーズ、一つの音に対して色々な方面から考えて取り組むことによって技術的にも音楽的にも磨かれていき、弾き切ることに終始せず、その先の音楽表現への道が開けた時に、所謂”上級”へと自分が進んでいけるのではないかなと思います。
音楽の道は果てしがないですが、自分のペースで少しずつ上達していきたいですね！
私も日々精進して、過去の自分より上手くなってると実感できた時が１番の喜びです♪
皆様も素敵なピアノライフを♪✨
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